Mireille en París

Canto a una muchacha de Provenza. En los amores de su juventud, a través de la Crau, hacia el mar, por los trigales, humilde discípulo del gran Homero, quiero seguirla. Como era solamente una hija de la tierra, poco se ha hablado de ella fuera de la Crau.

                                                                                                       Frédéric Mistral, Mirèio.

Así comenzaba Frédéric Mistral su poema en doce cantos Mirèio, que narraba la historia de amor entre dos adolescentes de la Provenza procedentes de clases sociales distintas: Mirèio, hija de unos labradores adinerados, y Vincèn, un pobre cestero. Como es lógico, el padre de la jovencita se opone a la relación y aspira a casarla con un mejor partido. Mirèio huye de su casa y atraviesa el desierto de la Crau para ir a Saintes-Maries-de-la-Mer e implorar a las santas que sus parientes acepten a Vincèn. Mirèio sufre una insolación durante el viaje y en su delirio las santas se le aparecen... En la capilla, mientras agoniza, la encuentran sus padres y Vincèn, en cuyos brazos muere la muchacha.

Inva Mula y Charles Castronovo como Mireille y Vincent

El poema de Mistral inspiró a Charles Gounod, que lo tomaría como base para el argumento de una de sus óperas, Mireille; el libreto corrió a cargo de Michel Carré. La ópera se estrenaría el 19 de marzo de 1864 en el Théâtre Lyrique de París. La partitura sería después sometida a diversas revisiones, en parte por exigencia de la cantante que estrenó el papel (Marie Miolan-Carvalho, la esposa del director del teatro),  en parte por otras cuestiones (incluso hubo una versión con final feliz). En una de esas revisiones  (que desembocaron en las representaciones de diciembre del mismo año 1864) se redujo el número de actos de cinco a tres y se añadió en el primero de ellos el que es posiblemente el fragmento más conocido de Mireille, el vals O légère hirondelle. La edición preparada en 1939 por Reynaldo Hahn se considera hoy en día como la más próxima a las intenciones originales de Gounod. Y es esta edición la que se ha seguido en las representaciones de Mireille en la Ópera Nacional de París, que han abierto la temporada en el Palais Garnier.

 Mireille, siempre oscurecida por Faust o Roméo et Juliette,  ha supuesto el inicio de la "era Joël" en la ONP, después de la controvertida etapa de Gérard Mortier. En la primera función hubo bastante descontento con la propuesta escénica, que muchos encontraron demasiado conservadora y con una nula dirección de actores. Otros han criticado el desempeño de los cantantes o del director musical, Marc Minkowski, últimamente empeñado en la resurrección de ciertos títulos del repertorio francés. Parece que, en todo caso, en las funciones sucesivas los aplausos han prevalecido. El estreno de la producción fue retransmitido por la televisión francesa, y los vídeos pueden encontrarse en Youtube fácilmente. Por ejemplo, el de la famosa Chanson de Magali (aún me queda verlo completo, aunque si fuera por este fragmento yo estaría por darle la razón a los que critican la dirección de actores):

Ayer, además, France Musique y otras emisoras de Euroradio ofrecieron esta Mireille en directo, aunque no pude escucharla completa sino que me limité a dejar "trabajando" al ordenador para preservarla, por lo que no opinaré sobre el reparto... O sobre la dirección, en especial porque  no entiendo  qué le ve la gente a Minkowski, de veras (su Gluck me hizo huir despavorida, pobre de mí y de mi oido hiperromantizado). De esa retransmisión procede la grabación que podéis encontrar debajo. 

 

 

Charles Gounod
Mireille
Opéra en cinq actes et sept tableaux sur un livret de Michel Carré
d'après le poème de Frédéric Mistral
Inva Mula : Mireille
Charles Castronovo : Vincent, son amoureux
Franck Ferrari : Ourrias, gardien de taureaux
Alain Vernhes : Maitre Ramon, père de Mireille
Sylvie Brunet : Taven, vieille femme, présumée sorcière
Anne-Catherine Gillet : Vincenette
Sébastien Droy : Andreloux, berger
Nicolas Cavallier : Maître Ambroise, père de Vincent
Amel Brahim-Djelloul : Clémence
Ugo Rabec : Le Passeur
Choeur et orchestre de l'Opéra National de Paris
Direction : Marc Minkowski (3 hrs., 30 min.) 

Aquí y aquí.

Adiós, Alicia

video de varadero1839

Ópera en la radio este fin de semana

Nuestro fin de semana operístico comienza en San Francisco, con La Bohème de Puccini. Como suele ser habitual durante los últimos tiempos, tenemos una diversidad de horarios y emisoras bastante amplia para escuchar esta función protagonizada por Angela Gheorghiu, Piotr Beczala,  Quinn Kelsey y Norah Amsellem, con la dirección musical de Nicola Luisotti. A las 18:00, comenzará la retransmisión desde WUFT-FM HD2; a las 19:00 por todas estas, a las 19:30 por KAMU, y por último a las 21:00 por KUAT. Otra retransmisión que comienza a las 18:00 es la de Goya, de Daniel Börtz. Podréis escucharla a través de SVERIGES RADIO P2.  

A las 19:00 y por RADIO 4 NETHERLANDS y FRANCE MUSIQUE, transmisión directa de Mireille, de Gounod, desde la Opera Nacional de París y con Inva Mula en el papel titular. Mireille ha supuesto la apertura de la temporada parisina y su puesta en escena ha causado descontento por motivos opuestos a los de la Tosca del Met: demasiado conservadora. Acompañan a Inva Mula Charles Castronovo, Franck Ferrari y Sylvie Brunet entre otros. Marc Minkovski dirige a los conjuntos de "la casa". Ojo con FRANCE MUSIQUE, que la anuncia a partir de las 19:30. Sin salir de las tierras galas, a partir de las 19:00 por WUOT podremos escuchar Hippolyte et Aricie, de Rameau. Bernard Richter, Anne-Catherine Gillet, Allyson McHardy, Sthepane Degout, entre otros, dirigidos por Emmanuelle Haim. A partir de las 19:30 habrá más alternativas para escucharla, como GPR(Georgia Public Radio), WABE CLASSICAL, WUGA y KOHM. A las 20:30, RADIO TRE (RAI) anuncia una Flauta Mágica cuyo planteamiento parece por lo menos peculiar.
En el capítulo del reciclaje tenemos varias cosas este sábado. Por ejemplo, Zaira, de Bellini, con Ermonela Jaho en el papel titular. La podremos escuchar a partir de las 19:00 por ESPACE MUSIQUE o a las 19:30 por RADIO OESTERREICH INTERNATIONAL. U otra Flauta Mágica de Mozart, esta vez menos original que la propuesta por la RAI3. Se trata de la repetición de las funciones de Aix con René Jacobs a la batuta. Será a las 19:00 por DR P2. También pertenece a las cosas "rescatadas" el Stiffelio de Verdi que podrá escucharse a la misma hora por DEUTSCHLANDRADIO KULTUR. O La mujer silenciosa de Richard Strauss (con Jane Archibald y no, como erróneamente nos decía Operacast el pasado fin de semana, Diana Damrau en el reparto) a partir de las 20:00 por RADIO CLASICA DE ESPAÑA. Será dentro del espacio El fantasma de la ópera (que comienza a las 19:00), cuya primera parte estará, como de costumbre, dedicada a las novedades discográficas, en esta ocasión el recital de Jean-Paul Fouchécourt dedicado a Rameau. Dos reciclajes más, el de L'Elisir d'Amore de Donizetti con Inva Mula y Ramón Vargas (que ya se emitió la pasada semana), por XLNC1, y uno dedicado a una grabación histórica, Roméo et Juliette de Gounod con Bidu Sayao y Jussi Björling, completan la oferta del sábado.

Attila: del drama de Werner al libreto

En su obra De l'Allemagne (generalmente considerada como una especie de manifiesto del Romanticismo), Germaine Necker, más conocida como Madame de Staël, incluía un análisis de las obras de Zacharias Werner, que en 1808 estrenaría su drama Attila (quien tenga tiempo y conocimientos suficientes de lengua alemana puede leerlo aquí). La Staël sentía curiosidad por el personaje, que se había convertido en uno de sus habituales de su residencia en Coppet. En cuanto a Werner, la admiraba... hasta llegar a cotas alarmantes (en cierta ocasión cayó de rodillas delante de la dama y rompió a llorar, así, sin más). Antes de resumir algunos de sus dramas, la Staël había escrito: Desde que Schiller ya no existe y Goethe ha dejado de escribir para la escena, es Werner el primer dramaturgo de Alemania; nadie sabe como él mezclar la tragedia con el encanto y la dignidad de la poesía antigua; sin embargo, eso que le hace tan admirable como poeta, es perjudicial para su éxito en el teatro. Sus piezas, que son de una rara belleza, si sólo nos fijamos en las canciones, en las odas, en los sentimientos religiosos y filosóficos que abundan en ellas, son criticables en cuanto dramas de acción. No es que Werner carezca de talento teatral, o incluso que no esté familiarizado con sus efectos menos que la mayoría de los escritores alemanes; pero parece como si deseara propagar un sistema de amor y religión con la ayuda del arte dramático, y que sus tragedias son el medio que usa para ello, en vez de un fin.

 Madame de Staël incluía a continuación el resumen de algunas de sus obras, entre ellas Lutero y Attila. Esta, estrenada en 1808, se convirtió en un éxito, aparte de en objetivo de la censura napoleónica por razones bastante fáciles de adivinar. El plantel de personajes de este Attila en cinco actos, así como su argumento, son bastante más embrollados que en Verdi; aparte  del rey de los hunos, de Ezio y de Hildegonda, su vengativa prometida, aparece la corte imperial en pleno, con Valentiniano, Gala Placidia y la princesa imperial Honoria, enamorada de Attila, el hijo de este... En esencia, la historia es muy similar. Hildegonda, princesa burgundia que ha perdido a su padre y a su prometido Walter (al que  resucitaría como Foresto en la obra de Verdi) en la toma de Aquileia,  jura vengarse de Attila. Hace todo lo posible para convertirse en su esposa, se gana su confianza curando sus heridas y convence al huno de que lo ama. Paralelamente, tiene lugar el famoso encuentro con el Papa León que además guía a Honoria hasta el campamento de los hunos la misma noche de bodas de Attila (lo que hizo a un crítico tachar la obra de "disparate"). Hildegonda mata en primer lugar al hijo de este, Irnak, cuyo cuerpo arrastra hasta la tienda de Attila. Después, mientras Attila se abraza al cadáver del muchacho, termina la tarea con el padre. Los hunos irrumpen e Hildegonda se proclama orgullosa la autora del doble crimen, antes de arrojarse sobre la espada para evitar el castigo. Sus últimas palabras las recoge el papa León. Sabedor de sus propósitos ha intentado impedirlos, advirtiendo a la vengativa mujer que el asesinato supondría su condena eterna. Hildegonde proclama su eterno amor por Walter y muere, mientras León cierra sus ojos y los de Attila y se entona un himno de alabanza. En cuanto a Aecio, hace tiempo que ha muerto en batalla. Total, que incluso en el drama de Werner ya resultaba más simpático el bárbaro que la civilizada Hildegonde. Al menos Odabella no es una infanticida.

Según Budden, el primero en sugerir el tema a Verdi habría sido Andrea Maffei en la primavera de 1845. Además, habría facilitado el interés del compositor aportando una sinopsis del embrollado drama de Werner. A Verdi le gustaron la historia y los personajes, y le llamó especialmente la atención el verso en el que Aecio le ofrecía al soberano huno compartir el mundo entre ambos, respetando la soberanía de Roma. Resulta curioso el viaje de ida y vuelta del libreto. Las primeras sugerencias de Verdi (la resurreción del prometido en el personaje de Foresto,  que Aecio llegase vivo al final de la ópera) fueron enviadas a Piave, pero Solera sería el encargado de escribir el libreto. Ya se ha avanzado en otra entrada como, finalmente, el responsable de los últimos toques sería Piave. Solera prescindió de muchas escenas y personajes, conservando sólo los estrictamente necesarios y poniendo especial énfasis en las posibilidades patrióticas de la obra de Werner. Así se clarificó la acción, aunque no se haga más verosímil. Fue preservada la escena en la que la heroína impide que Attila beba de una copa envenenada, aunque se incluyó aquí el "apagón" de las antorchas que en el drama original sucedía más adelante, durante la boda de Attila e Hildegonde. Verdi estaba tan entusiasmado por el tema que escribió a su editor parisino planteándole la posibilidad de expandir la ópera para adaptarla a la escena francesa (lo que habría supuesto traducción, inclusión de bailables, etc). Pero el trabajo se ralentizó. Por un lado, la salud del compositor no era buena. Segundo, porque Solera acabaría en España en pos de su esposa, autorizando a Piave a seguir elaborando el libreto. Quedaba el último acto por terminar y Verdi le ordenó a su colaborador que se concentrara lo más posible en las individualidades, evitando el uso de la banda interna o de los coros.  Cuando el trabajo estuvo terminado, Verdi le mandó a Solera una copia por si quería hacer algún cambio. Junto a la copia iba la advertencia: la música ya estaba compuesta en su mayoría. A Solera se le cayó el alma a los pies. Había pensado en un himno solemne para terminar la obra. La carta de Verdi había sido un golpe mortal. Dio su abierta opinión sobre el último acto: el final, tan apresurado, le parecía una parodia. Fue la última colaboración entre Verdi y Solera, que tan buenos frutos había dado hasta entonces.

vídeo de Oneguin65

Una efeméride para hoy: Jarmila Novotná

Un 23 de septiembre de 1907 nacía en Praga Jarmila Novotná, una soprano que se convertiría en una de las cantantes favoritas del Met. De hecho cuando se editó su biografía en DVD, el subtítulo era Star of Metropolitan Opera. Allí cantaría papeles  que iban desde Violetta hasta Pamina pasando por Manon. Novotná había sido alumna de Emmy Destinn, debutando  en 1925 como Marenka en La novia vendida, de Smetana. Tenía diecisiete años y unos días más tarde tuvo que cantar su primera Violetta (uno de sus papeles favoritos, tal y como se puede leer en esta entrevista), seguida pocos meses después de la Reina de la Noche mozartiana. Para cuando debutó en el Met (en 1940), Novotná ya había hecho lo propio en la mayoría de los principales teatros del mundo, incluyendo la Scala o Viena, donde se convertiría en la Giuditta original de Léhar. También cantó la Pamina de una célebre producción de La Flauta Mágica en Salzburgo, con dirección musical de Arturo Toscanini. Al parecer fue este último quien la invitó a participar en un concierto en Nueva York, lo que acabaría conduciendo a su contrato con el Met, teatro del que se despediría en 1956 en el papel de Orlofsky. Moriría en Nueva York en 1994.

vídeo de drnespor

vídeo de PopoliDiTessalia

vídeo de TAUBERFANLEHAR

Aparte de su carrera operística, Novotna también tendría una cinematográfica, participando no sólo en óperas filmadas, como La novia vendida, de Ophüls, o biopics musicales como El gran Caruso, sino en dramas como Los ángeles perdidos, de Fred Zinnemann (en realidad el título original es The Search, con lo que la traducción sería La Búsqueda, pero ya se sabe que por aquí siempre se ha tenido una imaginación desbordante en lo que a traducir títulos originales toca), en la que un niño que ha estado prisionero en un campo de concentración encuentra en un soldado estadounidense (interpretado por Montgomery Clift) la ayuda para encontrar a su madre ( a su vez ocupada frenéticamente en la búsqueda de un hijo al que todos dicen muerto), interpretada por Novotna. También tendría sus escarceos con Broadway y con la televisión, aunque nunca se apartó de lo principal para ella, que era la ópera. Veámosla en la película de Ophüls:

vídeo de Onegin65

Algo sobre Tosca

Como sabréis, el lunes se abrió la temporada del Metropolitan de Nueva York con una nueva producción de Tosca protagonizada por Karita Mattila, Marcelo Álvarez y George Gagnidze (espero haberlo escrito bien). La dirección escénica corre a cargo de Luc Bondy, al que le ha tocado la difícil papeleta de sustituir a la de Zeffirelli, estrenada en 1985. Más adelante, será retransmitida a los cines de medio mundo; España, una temporada más, no se encuentra entre la lista de países en los cuales puede disfrutarse de las representaciones del Met en la pantalla grande. ¿Figurará un año de estos? La esperanza es lo último que se pierde... A los marginados nos queda el consuelo de poder conseguir el vídeo más tarde. Entonces se podrá comparar esta Tosca con el archifamoso superespectáculo de Zeffirelli, bien documentado por el DVD.

 Foto del New York Times; aquí podéis encontrar muchas más...

A lo que iba: había ambiente previo de abucheo y este se dio, en una cantidad realmente inusitada para el teatro y la ocasión de la que hablamos. Que quede claro que la protesta iba contra el aspecto escénico, no el estrictamente musical (aunque escuchando la grabación he encontrado pocas cosas que destacar; sólo me ha convencido Marcelo Álvarez). Algunas cosas que he podido leer en los artículos de prensa, como este, apuntan algunas de las causas de la reacción del público. Toques anacrónicos como la escalera metálica en Sant'Andrea (desnuda de todo ornamento) o los muebles del despacho de Scarpia. La presencia de tres prostitutas junto al barón al inicio del Acto II, o que Tosca se recueste en el sofá una vez apuñalado el villano para darse aire con el abanico de la Attavanti hicieron que los abucheos comenzaran ya al final del segundo cuadro.  O la forma en que se resuelve el suicidio de Tosca, que causa más estupor e hilaridad que estremecimiento. Zeffirelli, que no ha visto la puesta en escena de Bondy (ni, según sus propias declaraciones, piensa hacerlo) se ha apresurado a decir que no quiere tener nada que ver con este modo "idiota" de hacer ópera. De paso, ha aprovechado para decir a su colega  que es "de tercera fila", lamentándose de que nadie siga ya las intenciones del compositor... 

Bondy no se ha quedado callado. Después de achacar los abucheos del público a la costumbre de ver la misma Tosca durante veinte años ("no quieren ver nada diferente"), ha contestado a Zeffirelli de esta guisa (perdón por la traducción libérrima): "Yo soy un director de tercera fila, y él es un segundo asistente de Visconti (...). Aprendí a ser director. Él no inventó Puccini. Sólo es Zeffirelli. Yo sólo soy Luc Bondy... nada más". El director artístico del Met, Peter Gelb, también ha salido en defensa de esta Tosca y de las "libertades inteligentes" que Bondy se ha tomado, sin incurrir en contradicciones con  el libreto. A propósito, me llama la atención que más de una reseña resalte que  la Maria Magdalena que está pintando Cavaradossi  lleve el pecho desnudo, como si eso fuera una escandalosa primicia en la Historia del Arte. Un poco de investigación en materia iconográfica no les vendría mal. Que empiecen por la Wikipedia, que está al alcance de todo el mundo.

Sobre el resultado musical, aquí tenéis una muestra.

El tempo y Bernstein

El genial Leonard Bernstein comparando los tempi empleados por distintos directores en la misma pieza. "Y todos están convencidos de que su tempo es el auténtico".

vídeo de diragusa

Cabaletteando con Pacini

video de Meyerbeer1

¡Viva V.E.R.D.I!

Hagamos un ejercicio de imaginación. Por un momento, pensemos que nos encontramos en la Fenice de Venecia el día del estreno de Attila y que Ezio repite en varias ocasiones a lo largo de su dúo con Attila la frase Avrai tu l'Universo, resti l'Italia a me. En una situación en la que se estaba luchando por la unidad italiana y la independencia de Austria, la alusión no podía pasar desapercibida. Como ya se comentó, la respuesta del público cuando se cantaba esa frase era A noi, l'Italia a noi! El componente patriótico -y ya veremos como Attila es una de las óperas con más alusiones de ese tipo- fue una de las causas del triunfo de la nueva obra, y es una de las ocasiones en las que se puede asociar la música de Verdi con el Risorgimento y con la unidad italiana. Todo había comenzado varios años antes, acaso por azar.

Cuando Verdi estrenó Nabucco en la Scala en 1842 (después de pasar por una verdadera crisis, no sólo por el fracaso de su anterior ópera, Un giorno di regno, sino por el fallecimiento de su esposa y sus hijos) tal vez no era consciente de lo que el celebérrimo (y maltratado, y en ocasiones odiado precisamente por eso) Va, pensiero iba a organizar no ya en aquella representación (parece que la leyenda del bis en el estreno es falsa y que en realidad el público pidió la repetición de Immenso Jehova), sino en los años sucesivos. Se convertiría en una especie de himno oficioso de los patriotas italianos, que se identificaban con los israelitas exiliados en Babilonia. Haciendo nuevamente un ejercicio de imaginación, podemos imaginar lo que podía desatar escuchando lo que ocurrió en una representación en el San Carlo de Nápoles, en 1949. Los impacientes vayan al minuto 3:49, que es el momento en que todo se desencadena (naturalmente se pide el bis y este es concedido):

Sorprende que, pese a todos los problemas que Verdi tuvo con la censura, estos fueran más de índole moral que político. Si Nabucco no tenía una intencionada finalidad patriótica, sí parece que fue el caso de la siguiente ópera verdiana, también estrenada en la Scala. Se trataba de I Lombardi alla Prima Crociata (luego readaptada como Jérusalem para la escena francesa, aunque se puede decir que se trata de dos óperas muy distintas y no de una simple "traducción"). Verdi volvió a contar con Solera como libretista, y de nuevo, como en Nabucco, la dedicatoria fue destinada a un miembro de la familia imperial de los Habsburgo. Esta vez (como en Oberto) se trataba de Maria Luisa, entonces Duquesa de Parma, la que fuera segunda esposa de Napoleón I. Los protagonistas de esta ópera eran más cercanos en el tiempo y en el espacio geográfico que los de Nabucco, y además evocaban claramente a la Lombardía en otro coro que alcanzaría casi la misma importancia que el ya citado...  O Signore, dal tetto natio, que aquí podemos escuchar con el coro de la Scala, bajo la batuta de Gianandrea Gavazzeni:

vídeo de gabrielpadilla

Volvamos a Attila, que tiene una gran concentración de declaraciones de este tipo; prácticamente todos los personajes (salvo el rey de los hunos) tienen ocasión de lanzar su "proclama", por así decirlo. La primera en hacerlo es la temible (sobre todo para las sopranos) Odabella, cuya primera intervención en el Prólogo queda consagrada al fervor patriótico y al deseo de venganza. Escuchemos la grabación de Joan Sutherland, que grabó la escena de Odabella pero no el papel completo:

vídeo de LindoroRossini

Después llega el duo Ezio-Attila, con la famosa frase. Lo cierto es que le podríamos dar una lectura menos favorable al personaje del general romano, que le pide al rey huno que le deje gobernar Italia, ofreciéndose a cambio a ayudarlo a conquistar el resto del debilitado Imperio. Podría tomarse como una traición al Emperador, y eso es lo que insinúa Attila... La frase de Ezio Avrai tu l'Universo, resti l'Italia a me se repite en al menos media docena de ocasiones:

video de gtelloz

Aunque a veces resulta fácil olvidarse de su existencia (pues resulta muy desdibujado ante la fuerza de los otros tres personajes), en esta ópera además hay un tenor: Foresto. Su escena al final del prólogo  comprende el aria Ella in poter del barbaro, en la que se lamenta por la captura de Odabella, y Cara patria, la cabaletta en la que (no olvidemos dónde se estrenó esta ópera) Foresto vaticina el renacimiento de su ciudad destruida y el surgimiento de Venecia a orillas de esa laguna en la que los fugitivos de Aquileia han encontrado amparo. Se la escuchamos a Carlo Bergonzi:

Las obras de los años de galeras posteriores a Attila siguen imbuidas de ese fervor patriótico al que Verdi, después de el posible accidente de Nabucco, no podía permanecer ajeno. En 1847 se estrenaba Macbeth, primer encuentro de Verdi con Shakespeare, una relación que daría inmejorables frutos. Sobre todo cuando al Maestro y al Bardo se unió Boito como libretista. Como todos sabréis, la partitura fue revisada en 1865, con ocasión de unas funciones parisinas. La versión en italiano -estrenada en 1874- de esta edición parisina es la que más conocemos hoy. Las diferencias son muy marcadas.   Por ejemplo, el coro de escoceses exiliados, Patria oppresa, se escuchó así en 1847:

 

video de gtelloz

... Y así en la revisión posterior:

vídeo de LaVoceDiOpera

La versión original de Macbeth tenía otro coro de similares características, La patria tradita.

Los versos de Maffei (La patria tradita/ piangendo ne invita!/Fratelli gli oppresi/ corriamo a salvar/ Già l'ira divina/sull'empio ruina;/ gli orribili eccessi/ l'Eterno stancar) serían preservados en la cabaletta de Macduff y Malcolm, acompañada del coro:

Cerremos con La Battaglia di Legnano, estrenada en Roma en 1849. Aquí no hay alusiones que valgan.  Todo se dice de forma muy directa. Escuchemos el coro con el que la ópera se abre:

vídeo de DarioFrancoCorelli

Era natural. Para cuando se estrenó La Battaglia di Legnano, la situación era muy diferente a la del estreno de Nabucco, después del revolucionario año de 1848, con Italia inmersa en la guerra contra Austria, una guerra que no le iba demasiado bien, por cierto. En Roma, abandonada por el Papa, se había proclamado la República. El estreno  en enero de 1849 fue un verdadero éxito, con un público delirante que se deshacía en aclamaciones y en vivas a Italia y a Verdi. Que los italianos perdieran esta primera guerra de independencia no le vino  precisamente bien a una ópera como La Battaglia di Legnano, censurada y reconvertido su libreto en otro que evitaba las alusiones a la unidad italiana. Pero ya hacía demasiado tiempo que Verdi estaba en el imaginario colectivo unido al Risorgimento; no en vano Viva V.E.R.D.I. quería decir Viva Vittorio Emmanuele Rè d'Italia.

"O gran Dio, che ne'cuori penetri"

 


vídeo de LiceuOperaBarcelona

Ópera en la radio para este fin de semana

Empecemos con Donizetti. Mañana, a las 18:00, podremos escuchar L'Elisir d'Amore, con Inva Mula, Ramón Vargas  y Alessandro Corbelli como Adina, Nemorino y Dulcamara respectivamente.  Dirige un especialista en este terreno, Bruno Campanella. Hay diversidad de emisoras y horarios para este Elisir: a las seis, como anunciaba, comenzará por WUFT-FM HD2. A las 19:00 por todas estas emisoras, a las 19:30 por KAMU, e incluso a las 21:00 por KUAT.

En la franja horaria de las 19:00, como de costumbre, se concentra gran parte de la oferta del sábado. A las 19:00 y por BBC RADIO 3, Macbeth, de Verdi. Susan Neves y Lado Atanelli serán la maquiavélica Lady Macbeth y su consorte, mientras que John Releya es Banquo y Vsevolod Grivnov, Macduff. El Coro del Festival de Edimburgo y la Orquesta Escocesa de la BBC bajo la dirección de David Robertson. Este Macbeth no me suena de los reciclajes de los sábados.  Sí que lo es la grabación de Don Giovanni, de Mozart, que nos presenta CBC TWO: Ildebrando d'Arcangelo y René Pape son el burlador y su criado-para-todo, mientras que las damas están interpretadas por Ricarda Merbeth, Soile Isokoski y Michaela Seliger. Cierran el reparto Michael Schade como Don Ottavio y Boaz Daniel como Masetto. Es posible que  (si sois habituales del blog) esta grabación os resulte familiar. Hay muchos más "reciclajes" este sábado; de hecho predominan con claridad. Por ejemplo, la Zelmira de Rossini procedente de Pesaro, con Juan Diego Flórez, Kate Aldrich y Gregory Kunde, bajo la batuta del sobrinísimo (léase Roberto Abbado). Será a partir de las 19:00 por ESPACE MUSIQUE y RTP ANTENA 2. Otro rescate: el de Iphigénie en Aulide, de Gluck, por FRANCE MUSIQUE a las 19:05 y por CESKY ROZHLAS 3 -VLTAVA a las 20:00. Esta es otra grabación que os tendrá que resultar familiar, ya que se trata de la grabación bajo la dirección de Riccardo Muti en la Ópera de Roma  con Krassimira Stoyanova en el papel titular. Tampoco son novedades El sueño de una noche de verano de Britten que se ofrece por RADIO 4 NETHERLANDS, y que es la ya conocida grabación de la presente temporada de la Scala, con David Daniels (19:00), o Il Viaggio a Reims de Rossini, también desde el teatro milanés y de la misma manera procedente de la temporada 2008-2009, a las 19:30 por SVERIGES RADIO P2. O La mujer silenciosa, de Richard Strauss, por MDR FIGARO también a las 19:30 con Diana Damrau, Kurt Rydl y Michael Schade, con dirección de Peter Schneider.

Fuera de alguna de las cosas antes reseñadas, a las 19:30 tenemos otro Verdi por WABE CLASSICAL y WUGA, entre otras emisoras: Il Trovatore, en una grabación ginebrina protagonizada por Tatiana Serjan, Irina Mishura, Zoran Todorovich y George Petean, y dirigida por Evelino Pidò. 

A las 20:00, reciclajes aparte (de los no citados anteriormente, un Eugene Onegin de Tchaikovsky por LATVIA RADIO KLASIKA y bajo dirección de Ozawa, o Lohengrin de Wagner por RADIO STEPHANSDOM y con Bychov a la batuta), tenemos una nueva cita con la Scala, pero  esta vez en directo. RADIO TRE (RAI) retransmite La favola d'Orfeo, de Claudio Monteverdi. Georg Nigl, Roberta Invernizzi y Sara Mingardo entre otros formarán un reparto que cantará bajo las órdenes de Rinaldo Alessandrini. La orquesta y el coro son los de la Scala. La grabación seguramente será rescatada por otras emisoras más adelante, ya que está dentro de la temporada de Euroradio.

Un encuentro (virtual) con Bartoli

El País anuncia para hoy (a partir de las 13:00) un encuentro digital con la cantante Cecilia Bartoli; las preguntas pueden enviarse aquí. La mezzo romana está por estas latitudes presentando su nuevo disco, Sacrificium, del que han comenzado a aparecer adelantos por ahí. ¿Ejemplos? Este. En el mismo periódico, Bartoli (parangonada a Sherlock Holmes, pero en el terreno del Barroco, recuerdo que con ocasión del lanzamiento de  Maria se comparaba con Indiana Jones) nos dice esto sobre los castrati:

"Los cuatro conservatorios de Nápoles pasaron de ser orfanatos a fábricas musicales. Primero se comprobaba el talento de los niños con respecto a su voz y su musicalidad y si se consideraba que daban la nota eran llevados a un lugar secreto para castrarlos. Una vez que la herida había cicatrizado ingresaban en el conservatorio y los mejores recibían una formación musical completa"

 Aún estáis a tiempo de enviar vuestras preguntas. La gira española de presentación de Sacrificium (es esperanzador lo mucho que se parece el planteamiento a Opera Proibita) tendrá lugar en invierno.

Cabaletteando con Mercadante

Una pequeña dosis de energía belcantista. 

 

vídeos de ontebe

vídeo de Meyerbeer1

16 de septiembre

Gracias, Maria.

Requiem en Saint-Denis

No tengo la menor idea de en cuántas ocasiones habrá dirigido Riccardo Muti el Réquiem de Verdi a lo largo de su carrera, pero deben ser innumerables. Ya sólo editadas "oficialmente" nos encontramos con esta y esta grabación, la primera en estudio, la segunda en vivo y perjudicada por una toma de sonido digamos que discutible. Seguramente en las próximas fechas se unirá a estas dos otra edición comercial, ya que en enero del pasado año lo dirigió en Chicago con la Sinfónica y parece más que evidente que la orquesta lo editará con su sello discográfico. A estas grabaciones se suman multitud de transmisiones radiofónicas  (o televisivas) grabadas por las almas caritativas, así que lo de innumerables no es una frase hecha.

Uno de esos últimos Réquiems verdianos fue el que tuvo lugar dentro del marco del Festival de Saint-Denis el 8 de junio, con la Orquesta Nacional de Francia y el coro de Radio France. Muti dirige con bastante frecuencia esta orquesta y además es un habitual de Saint-Denis; el pasado año, por ejemplo, su concierto estuvo protagonizado por obras de Porpora, Cherubini y Schubert y contó como solistas con la divina letona (esto es, Elina Garanca, para posibles despistados), Genia Kühmeier, Topi Lehtipuu y Herbert Lippert. Ya en 2008 el concierto fue emitido en directo a través de Internet, como otros del Festival. Este año se ha repetido la experiencia, pero con notable mejora de la calidad de imagen, a través de Medici TV, gracias a la cual pude seguirlo en vivo. Tres meses después, la grabación en audio ha sido recuperada por France Musique, aunque con un curioso y obstinado error en los nombres de los solistas, porque la soprano no es Krassimira Stoyanova, sino Barbara Frittoli, como puede deducirse claramente de la grabación...  y como aparte de Medici TV (el vídeo no está disponible en el archivo - no me importaría ver otra vez a ese coro absolutamente hipnotizado, poseído, en trance-, pero podemos consultar el reparto) atestigua la página del festival. A Barbara Frittoli la acompañaban Olga Borodina, Ramón Vargas e Ildar Abdrazakov. El concierto tuvo lugar dentro de la Basílica, tradicional enterramiento de los reyes de Francia y -resumámoslo así- modelo de las catedrales góticas. Entorno en el que la sensación apocalíptica que transmite el Requiem verdiano encaja a las mil maravillas.  

Giuseppe Verdi
Requiem
Barbara Frittoli : soprano
Olga Borodina : mezzo-soprano
Ramón Vargas : ténor
Ildar Abdrazakov : basse
Choeur de Radio France
Orchestre National de France

Direction : Riccardo Muti

Aquí

Karajan y Cherubini

Esta obertura de Luigi Cherubini, nacido un día como hoy de 1760 (la de Anacréon, ou l'amour fugitif) ha sido relativamente frecuente en las salas de concierto. Desde luego mucho más frecuente que la representación de la obra en sí (de la más célebre obra de Cherubini también se ha hablado en el blog). Hay interpretaciones de Toscanini, Furtwängler... Esta de Karajan con (como no) la Filarmónica de Berlín pertenece a un disco de Oberturas e Intermezzi grabado en sus últimos años para la casa EMI, aunque la obertura la había dirigido ya en los años 40. Escuchémosla para terminar el día.

 

vídeo de Meyerbeer1

 

Verdi: Attila. Los personajes y su base histórica. El "Azote de Dios".

Hace ya muchos años y dentro de una entrañable colección llamada Memoria de la Historia (hoy desaparecida, aunque los volúmenes siguen encontrándose por tiendas de lance o son reconvertidos en las editoriales  de bolsillo) leí un libro en el que se combatía los errores y tópicos relacionados con ciertas figuras y hechos históricos. La muerte de Cleopatra o el pánico universal del "año 1000" eran algunos de los temas tratados. También se hablaba de la mala prensa de Atila, el rey de los hunos, que no habría sido la figura sanguinaria que pintan las crónicas de los historiadores romanos (que naturalmente no iban a darle buena prensa). Al menos, no tan sanguinaria. Fue el primer contacto "serio" con esta figura de la que sólo conocía anteriormente la celebérrima frase sobre su montura. Lo cierto es que la investigación no fue mucho más allá.

Hagamos un breve resumen, ya que, como decía en una entrada anterior, Attila tiene ciertos puntos en común con la realidad histórica, incluída la muerte de Atila en plena noche de bodas (aunque probablemente no a manos de su flamante esposa, pero eso ya lo veremos). 

Unas cuantas décadas antes de la invasión de Atila, un historiador romano (más concretamente Amiano Marcelino) había descrito a los hunos como animales bípedos que se sentaban en sus caballos feos y deformes como si estuvieran clavados a ellos. He ahí la imagen tópica de los hunos: el pueblo feroz y nómada que prácticamente vive sobre la silla de montar, y he ahí también el desprecio que los romanos sentían hacia los bárbaros, léase hacia todos los que no eran ellos mismos. Cosa que antes ya habían hecho los griegos, y así podríamos seguir eternamente. Cuando nuestro historiador escribió estas palabras corría el año 380 y los hunos no se habían convertido en el terror del Imperio de Occidente. El origen de los hunos no es conocido con exactitud, aunque se supone que procedían del centro de Asia, de China ( los hiong-nu), de donde habrían sido expulsados.  Aparte de su legendaria habilidad como jinetes, los hunos eran diestros en el manejo del arco. El arco huno era de mayor alcance que el que usaban cualquiera de las tribus enemigas.

Para cuando Prisco (al que se le deben algunos de los testimonios más importantes sobre el legendario rey de los hunos) visitó la corte de Atila, se encontró un hombre que hablaba y escribía latín y que también se manejaba con el griego. Tenía consejeros de origen griego y romano. La corte era un lugar más refinado y su imperio había sido organizado de forma elemental, dividiéndolo en distritos, cada uno de ellos al mando de un comandante militar. Los pueblos sometidos por los hunos debían, es lógico, pagar un tributo, pero no había un sistema fiscal propiamente dicho, ni tampoco judicial. Atila había organizado su vasto imperio;  la corte de los hunos estaba muy lejos de ser la guarida de los animales bípedos antes mencionados. 

Atila  había subido al trono en el año 434, como de su tío Rugila. No estaba solo: junto a él era corregente su hermano, Bleda. Este murió en el año 440 en un accidente de caza o bien Atila se deshizo de su competidor.  Rugila y Atila ya habían hecho una incursión en los Balcanes, "asolando setenta ciudades", y habían llegado hasta las puertas de la capital del Imperio de Oriente, Constantinopla, causando el terror de sus habitantes. Ya como soberano indiscutido de los hunos, Atila se volvería hacia el Imperio de Occidente, gobernado por Valentiniano III.  Según la leyenda, su fe se veía reforzada por el hallazgo de una espada que permitía a su portador ser invencible en la batalla y conquistar el mundo. Otra historia no es menos rocambolesca e implica a la hermana del emperador.

Honoria era la hermana de Valentiniano III. Según algunas fuentes, despreciaba al emperador por su debilidad y había conspirado para asesinarlo, después de lo cual fue desterrada. Según otras, Valentiniano planeó su casamiento con un senador y ella se opuso. En todo caso se dice envió a Atila una carta acompañada de un anillo ofreciéndose a ser su esposa si la rescataba de su destino. El soberano huno se habría tomado en serio la propuesta, invadiendo el Imperio para reclamar a su prometida en el 450. Claro que, menos poéticamente, podemos deducir que las provincias orientales no suponían ya una fuente de riquezas para los hunos y por tanto buscaron fortuna en otras latitudes. Atila y sus huestes penetraron en la Galia, ocupando diversas ciudades y dirigiéndose a Orléans. Su avance lo detuvieron Aecio, "el último romano" y su aliado visigodo Teodorico en la Batalla de los Campos Catalaúnicos (451). Teodorico murió en combate. Atila y sus aliados fueron vencidos, pero pudieron retirarse con cierto orden, sin que Aecio los persiguiera. 

Al año siguiente, Atila invadió Italia. Después de la toma de Aquilia, Valentiniano III se sintió lo bastante espantado para huir de Rávena y refugiarse junto al Papa León I en Roma. Antes de que los hunos avanzaran hacia la Ciudad Eterna, y a sugerencia de un miembro del Senado, San León Magno fue a conferenciar con Atila. Según la tradición, al llegar el anciano junto a él, Atila vio a San Pedro y San Pablo que bajaban del cielo a su encuentro. Impresionado, Atila habría decidido no atacar Roma y dejar Italia. Parece que, menos románticamente, lo que el Papa había propuesto al huno era el pago de un tributo a cambio de que se retirara. Con el ejército diezmado por las epidemias, Atila habría aceptado el trato y emprendido el camino de vuelta, regresando a su corte. Los planes para atacar nuevamente Constantinopla (habían dejado de pagar el tributo acordado con los hunos) no se llevaron a cabo. En los primeros meses de 453, Atila decidió casarse con una hermosa princesa bactriana (o goda, según los autores), Ildico. Atila había hecho decapitar a su padre y es de suponer que Ildico no se sentía demasiado feliz cuando se celebraron sus nupcias con Atila. Este se retiró del banquete nupcial en un estado de embriaguez y amaneció muerto. Al parecer sufrió una hemorragia nasal y se ahogó en su propia sangre. A Ildico, la flamante esposa, la encontraron asustada y temblando en un rincón de la tienda. Normalmente se ha excluído a Ildico de toda responsabilidad en la muerte del rey de los hunos; así lo haría su contemporáneo Prisco. Otros autores más tardíos adoptarían la versión de que había sido Ildico quien había apuñalado a Atila durante la noche. En todo caso la muerte de su rey condujo a la desaparición del imperio que él había organizado. Sus hijos acabaron guerreando por la sucesión y los pueblos que los hunos habían sometido a su paso se rebelaron. Sólo un año después de la muerte de Atila, en 454, una coalición formada por algunos de sus antiguos vasallos derrotaba a los hunos en la Batalla de Nedao, donde también habría muerto (en combate o asesinado por uno de sus generales) el hijo mayor y heredero de Atila, Elac.

Ópera en la radio para este fin de semana

Comencemos con Boris Godunov, de Mussorgsky, que podremos escuchar por bastantes emisoras y con cierta variedad en cuanto al horario. Por ejemplo, WUFT-FM HD2 anuncia el comienzo de la retransmisión para las 18:00, mientras que todas estas emisoras hacen lo propio para las 19:00 y KUAT para las 21:00. Se trata de una grabación de la ópera de San Francisco, en la que el papel titular corre a cargo de Samuel Ramey. Aquí hay más información al respecto. Entre los reciclajes, el de LATVIA RADIO KLASIKA a las 19:00 con  Tristan und Isolde de Richard Wagner, rescate de la producción de Bayreuth de este mismo año, con Robert Dean Smith e Irene Théorin y la dirección de Peter Schneider. Los que estuvieran escuchando el directo en su momento saben que no se trató de una función memorable, por decirlo sin cebarse demasiado. A la misma hora y dentro del género reciclado tenemos la retransmisión de, CBC TWO: Rusalka de Dvorak en grabación procedente de 2005, con Julie Makerov como la ninfa acuática, Michael Schade como el Príncipe e Irina Mishura como Jezibaba. Otto Nicolai y su obra más conocida, Die Lustigen Weiber von Windsor ocupan la tarde de DEUTSCHLANDRADIO KULTUR, también a partir de las 19:00. Reparto compuesto por Sebastian Pilgrim, Viktoria Varga, Patrick Ruytens, Dorothee Schlemm, Camille Butcher y Martin Platz. La dirección corre a cargo de Peter Kuhn, y la grabación fue efectuada el pasado 1 de agosto. Ariodante, de Händel, es la elección de ESPACE MUSIQUE. Se trata de una producción del Festival internacional de Ópera Barroca de Beaune 2009. En el reparto Ann Hallenberg,  Karina Gauvin, Maarten Engeltjes, Jaël Azzaretti, Kristian Adam y Sergio Foresti. La orquesta Modo Antico estará dirgida por Federico Maria Sardelli. Por RADIO 4 NETHERLANDS, La Juive de Halévy, con Ángeles Blancas Gulín, Simon O'Neill, John Osborn y Annick Massis, dirigidos por Carlo Rizzi. Se trata de una producción de la Nederslansde Opera. Aquí podéis ver un vídeo de esta Juive *. Por WUOT y desde la ópera de Washington, Lucrezia Borgia de Donizetti, con Renée Fleming en el papel titular. La acompañan Vittorio Grigolo, Kate Aldrich y el incombustible Ruggero Raimondi, dirigidos todos ellos por el no menos incombustible Plácido Domingo. También podrá escucharse (pero a las 19:30) por WUGA, WABE CLASSICAL y KOHM entre otras. Para quien se perdiera el Idomeneo de Mozart que fue ofrecido la pasada semana por un gran número de emisoras, XLNC1 lo recupera. 
A las 19:30 y Lucrezia aparte, por CESKY ROZHLAS 3 -VLTAVA otro Händel, en esta ocasión Partenope, con Christophe Rousset y Les Talents Lyriques. Reparto formado por Christine Schäfer, Kurt Streit, David Daniels, Patricia Bordonová, Florian Boesch y Mathias Rexroth. Por NRK KLASSISK y NRK P2 , I due Foscari, de Verdi. Carlo Montanaro dirige a Renato Bruson, Francisco Casanova y Manon Feubel. 
A las 20:00, por KLARA La Flauta Mágica, de Mozart, en grabación del Festival de Aix de este año, con dirección de René Jacobs. Aquí tenéis información de esta Zauberflöte que ya había sido ofrecida por alguna otra emisora.
La última noche de los Proms ocupará a gran cantidad de emisoras a partir de las 20:30. Por supuesto con BBC RADIO 3 en cabeza. Además, CATALUNYA MÚSICA, DR P2, DWOJKE POLSKIE RADIO, FRANCE MUSIQUE, KLASSIKARAADIO, RADIO CLASICA DE ESPAÑA, RADIO OESTERREICH INTERNATIONAL, RADIO TRE (RAI), RTP ANTENA 2, y SVERIGES RADIO P2 también son una alternativa para escuchar el concierto.  

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(*) Parece que volvemos a tener fallos en lo que respecta al horario, porque la Juive ha comenzado a las 18:00 y no a las 19:00 como anunciaba Operacast.