Hamlet, de Ambroise Thomas

Cuando Hamlet, la ópera de Ambroise Thomas se estrenó en Inglaterra  los críticos británicos se echaron las manos a la cabeza y sentenciaron la adaptación  con una frase à la Berkenfield -permítase el símil operístico-, afirmando que sólo un bárbaro o un francés habría convertido la tragedia de Hamlet en una obra burlesca. Una de las herejías achacadas era que Hamlet sobreviviera para convertirse en rey, si bien es cierto que Thomas escribió un final alternativo para el Covent Garden, en el que Hamlet moría como mandan los cánones.  Era un poco injusto echarle la culpa a Thomas o a sus libretistas de apartarse tanto del original. Al fin y al cabo, su fuente no era la tragedia de Shakespeare, sino un drama de Alejandro Dumas que adaptaba aquélla y que era muy popular en Francia en la época en la que Thomas estrenó su ópera.

El príncipe de Dinamarca ya había sido objeto de otras adaptaciones operísticas. Sin remontarnos demasiado en el tiempo, nos encontramos con las óperas de Saverio Mercadante y Franco Faccio.  El Amleto del compositor de Altamura se estrenó en la Scala en 1822, con libreto de Felice Romani. Confiaba el papel de Hamlet a una mezzosoprano e introducía cambios que habrían provocado que los críticos británicos bendijeran los nombres de Carré y Barbier. Por ejemplo, Ofelia, rebautizada Amelia, ni se volvía loca ni moría al final. En cuanto al Amleto de Franco Faccio, con libreto de Arrigo Boito, se estrenó en Génova en 1865. Después de una revisión de la partitura, la ópera se representó en la Scala, saldándose con un fracaso de tal magnitud que su compositor decidió dedicarse plenamente a la dirección de orquesta. Para los interesados en el Hamlet de Faccio, esta es una página inmejorable para saber algo más.

La readaptación de las tragedias shakespearianas constituía toda una tradición en Francia. Durante mucho tiempo las obras del Bardo no eran bien recibidas en el país vecino, de modo que siempre hubo autores que se dedicaron a amoldarlas a los gustos del público francés. Uno de los pioneros en este sentido había sido Jean-François Ducis, autor  - podríamos llamarlo así, ya que aparte del título, parece que poco tenía que ver con el original- de un Hamlet que data de 1769. Dumas siguió la costumbre, y aunque se ajustó un poco más al original, no se privó de añadir escenas por su cuenta y de, como había hecho Ducis, dejar vivo al príncipe. Sobre este material trabajaron Jules Barbier y  Michel Carré, simplificando la trama y reduciendo el número de personajes. Se centraron más en la relación de Hamlet y Ofelia, a cuya escena de locura se consagró lo que originalmente era la primera escena del Acto IV. Las convenciones de la Opéra -la obligatoriedad de los dichosos cinco actos con ballet - obligaron a dividir el acto en dos distintos, con un ballet intercalado entre la fiesta campesina y la escena de Ofelia.

Cristine Nilsson, la primera Ophélie

Aparte de esa convención a la que todos los compositores que estrenaban en la Opéra debían someterse, Thomas se vio obligado a transponer la partitura para barítono. El papel de Hamlet había sido en origen escrito para un tenor, pero la imposibilidad de encontrar a alguno que se adaptara el papel recurrió a un barítono, Jean Baptiste Faure, que obtuvo un gran éxito. La primera Ophélie fue la sueca Christine Nilsson, que había debutado cuatro años antes con La Traviata y que era la soprano del momento y la gran rival de otra superestrella decimonónica, Adelina Patti -aparte de ser considerada como el modelo de Christine Daaé, la protagonista femenina de la novela de Gaston Leroux El fantasma de la Ópera. Hamlet fue un éxito y pronto comenzó a representarse en los más importantes teatros del mundo. Por supuesto, el Covent Garden londinense, donde suscitó las reticencias que ya se han mencionado más arriba, y después Nueva York, Viena, Berlín o San Petersburgo. Después, y a excepción de la escena de locura, grabada por toda soprano que se preciara o el brindis de Hamlet en el Acto II, la ópera cayó en el olvido, algo que se ha ido remediando en las tres últimas décadas, con la aparición de dos grabaciones integrales en estudio -y un DVD- y las representaciones en distintos teatros. Las más recientes las del Metropolitan de Nueva York, escenario donde como ya decía el sábado no se representaba desde finales del siglo XIX.

La reposición de Hamlet era una de las cosas que más me atraían de la presente temporada del teatro neoyorquino, pero al final se ha quedado en decepción. Primero, por los brutales cortes que se le han inflingido a la partitura. No veo demasiado sentido a presentar de esa manera una ópera que por tanto tiempo había estado ausente del Met. Por supuesto el ballet no estaba incluído, pero la escena de Ophélie también sufrió drásticos recortes. Segunda decepción: la ausencia de Natalie Dessay, que canceló todas las funciones de una producción que había surgido en torno a ella. La pobre Marlis Petersen tuvo que presentarse en el teatro sin apenas ensayos y componérselas como mejor supo... que fue bastante mal. Situaciones como esa han propiciado el surgimiento de carreras operísticas, pero dudo que sea el caso de esta soprano. Sí estuvieron correctos Simon Keenlyside y Jennifer Larmore como Hamlet y su madre la Reina, respectivamente, aunque la función no acabó de remontar. De James Morris mejor no decir nada. Después de tanta expectación, este Hamlet me dejó bastante fría. En la noche del estreno las iras del público se dirigieron, cómo no, contra la dirección de escena y también contra Louis Langrée, cuya labor en el foso no es nada del otro mundo, aunque no la veo tan abucheable.

HAMLET 

Am. Thomas-Carré/Barbier

Hamlet..................Simon Keenlyside

Ophélie.................Marlis Petersen

Claudius................James Morris

Gertrude................Jennifer Larmore

Laerte..................Toby Spence

Polonius................Maxim Mikhailov 

Horatio.................Liam Bonner

Marcellus...............Matthew Plenk

Ghost...................David Pittsinger

Gravedigger.............Richard Bernstein

Gravedigger.............Mark Schowalter

Player King.............Peter Richards 

Player Queen............Joshua Wynter 

Player Villain..........Christian Rozakis

Conductor...............Louis Langrée

Aquí

Ópera en la radio

Se acerca Semana Santa, y el imprescindible repertorio de estas fechas asoma en las retransmisiones operísticas. Hoy le toca el turno a Richard Wagner y Parsifal, por ESPACE 2 dentro de un programa que comienza a las 17:30, si bien la ópera no lo hace hasta las 19:00.  Klaus Florian Vogt encabeza un reparto de esta función ginebrina sobre la cual podéis encontrar más detalles aquí.
A las 18:00 y por todas estas emisoras, podremos escuchar Hamlet, de Ambroise Thomas,en directo desde el Metropolitan de Nueva York. Una ópera que hacía más de cien años -desde 1897, concretamente-  que no se representaba en dicho teatro. La producción se ha montado en torno a Natalie Dessay - y a su habitual Hamlet Simon Keenslyde - pero desgraciadamente tuvo que cancelar por cuestiones de salud. Su sustituta, Marlis Petersen, no parece la más adecuada para hacer olvidar a la francesa, según las grabaciones que pueden escucharse por ahí. Dirigirá Louis Langrée, habitual de este título - lo ha dirigido en el Covent Garden, entre otros sitios.  En el intermedio, Renée Fleming entrevistará a los cantantes y al director.
Con Petersen volvemos a encontrarnos a las 19:00 por DEUTSCHLANDRADIO KULTUR,  en uno de los "reciclajes" de la semana, la Medea de Reimann que cantó en Viena - apenas le dio tiempo a terminar las funciones cuando tuvo que volar a Nueva York para sustituir a Dessay .DWOJKA POLSKIE RADIO anuncia - a la misma hora- Euryanthe, de Weber, aunque no precisa nada más. Tampoco hay muchas pistas respecto a la Cenerentola de Rossini que ofrece RADIO 4 NETHERLANDS , con un reparto poco conocido en el que estarán Francesca Provissionato, Philippe Talbot, André Morsch, Piotr Micinsky y Hee-Saup Yoon.
A las 19:30 nos esperan la redifusión de Manon de Massenet con Damrau y Vargas por CESKY ROZHLAS 3 - VLTAVA. Aparte y por NRK KLASSISK , se podrá escuchar La Creación, de Haydn, desde el Royal Albert Hall de Londres, con dirección de Paul McCreesh. Por SVERIGES RADIO P2, Las Bodas de Fígaro, de Mozart, de la ópera de Estocolmo y con un reparto también desconocido.
Por RADIO TRE (RAI) y a las 21:00, Maria Stuarda de Donizetti desde el San Carlo de Nápoles, con Mariella Devia y Sonia Ganassi. La grabación es del pasado día 16.

Los cien años de Magda Olivero

La historia de la Ópera - o la Historia, así, con mayúscula- está llena de malos profetas. Ugo Tansini hizo ese papel para Magda Olivero, después de que la futura cantante se presentara a una audición. No tiene voz, no tiene musicalidad, no tiene personalidad, no tiene nada. ¡Nada! Ocuparse de ella era, en opinión del director, una pérdida de tiempo. Pero como suele pasar en estos casos, Olivero no no se dejó convencer por Tansini de que lo suyo no era el canto. De manera tan accidentada comenzaba una carrera larga, asombrosa y extraña, con parón de diez años incluído. Después de su temprana retirada en 1941 - había debutado en 1933 -, se dejó convencer por Cilea  - que quería que interpretase a la protagonista de Adriana Lecouvreur, uno de sus caballos de batalla- y volvió a los escenarios, para mantenerse en ellos durante otras tres décadas. Con sesenta y cinco años, y varios después de tener la magnífica osadía de cantar Medea en Dallas -allí donde la Divina había interpretado el mismo personaje- y triunfar en el intento, debutó en el Metropolitan de Nueva York con Tosca. Al término de la función, el público la homenajeó con una ovación de veinte minutos.

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Teatro Real, 2010-2011

Después de meses de dimes, diretes y filtraciones varias, hoy se ha anunciado de manera oficial la próxima temporada del teatro operístico madrileño. Como todo el mundo sabe, la primera en la que Gérard Mortier se hará cargo del Real como director artístico. Aquí puede consultarse el programa, ilustrado de manera bastante particular. La gran sorpresa -que no dejaba adivinarse en todas las habladurías previas al anuncio- es la inclusión, si bien en forma de concierto, de Les Huguenots de Meyerbeer. También en concierto será La Finta Giardiniera, con René Jacobs y sus huestes. En lo demás, poco que ya no se hubiese contado por ahí. Entre otras cosas: apertura de temporada con Eugene Onegin, con visita de cantantes y orquesta del Bolshoi, estreno de La página en blanco de Pilar Jurado - que también cantará en las funciones - desaparición del previsto Trittico para sustituirlo con Tosca, reaparición de Le Nozze di Figaro... También se sabía desde hace tiempo que Saint François d'Asisse se representaría en la Caja Mágica, aunque Mortier ha precisado que será una especie de festival, con cena y todo.   En cuanto al reconciliado con Mortier Plácido Domingo estará presente no sólo a través de la Ifigenia en Táuride de Gluck - una de las óperas que más me atraen de la temporada - sino también de un concierto-homenaje con la participación de cantantes de todo el mundo (aunque no nos precisan qué cantantes exactamente). No puedo terminar sin mencionar el escalofrío que ha supuesto leer el nombre del recientemente fallecido Philip Langridge (aunque en el programa lo llamen Landgridge) en el reparto del Rosenkavalier (que dirigirá Jeffrey Tate y que contará con Anne Schwanewilms, Joyce di Donato y Ofelia Sala; eso sí, también se incluye en el pack a Frank Hawlata como Ochs).  Parece que alguien no ha tenido tiempo de editar el folleto. 

Tonio y los demás

Existió en Francia cierta costumbre, hoy desaparecida, de representar cada 14 de julio La Fille du Régiment, de Gaetano Donizetti,  ópera que el compositor de Bérgamo estrenó el 11 de febrero de 1840 en el teatro de la Opéra-Comique. Donizetti había acudido a París en 1838. Allí estrenaría Les Martyrs, la revisión francesa de Poliuto, Don Pasquale o La Favorite. La presencia de sus óperas en los escenarios era constante, lo que hacía exclamar a Berlioz que trataba a París "como territorio conquistado". La tradición de estas representaciones llevaba consigo que el regimiento de Marie fuese rebautizado en honor de aquel que tuviera su sede en la localidad en la que se llevaban a cabo. La ópera, con su visión alegre y naïf del ejército napoleónico - en una época en la que las miserias del Primer Imperio comenzaban a quedar lejos, y sólo quedaban los buenos recuerdos - tuvo éxito y así Marie y compañía se convirtieron en personajes habituales dentro y fuera de las fronteras galas, aunque en este último caso predominaba la versión italiana. Varias décadas más tarde y en años mucho más sombríos para Francia serviría de inspiración para La Fille du tambour major, de Offenbach. También disfrutaría de un éxito considerable, llegando a las doscientas representaciones a la muerte de su autor. Hoy es bastante menos conocida que su antecesora y modelo. Esta es su obertura:

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Con el paulatino abandono del repertorio belcantista a finales del siglo XIX -y principios del XX-, Marie consiguió sobrevivir gracias a que las sopranos ligeras se encapricharon de ella. Era un papel ideal para lucirse, y como la versión italiana cortaba el aria estrella de Tonio, Ah mes amis, no había nada que pudiera ensombrecerla. Curiosamente desde que la ópera resucitara de manera espectacular en su versión francesa con Pavarotti, Sutherland y Bonynge se da el proceso a la inversa: ahora el que se lleva el gato al agua es Tonio. Así fue con el de Módena, lo fue también con Alfredo Kraus y lo es actualmente con el tenor que se ha adueñado del joven tirolés en los últimos años, Juan Diego Flórez. Él es el protagonista, junto a Patrizia Ciofi, de las representaciones que están llevándose a cabo en el Liceu de Barcelona. La producción es la -maravillosa- de  Laurent Pelly, que pasa de granaderos de la Vieja Guardia para situarnos a principios del siglo XX.

Como ya se sabe, Tonio le ha hecho entrar en el anecdotario de teatros como la Scala o el Met, por romper las normas no escritas acerca de los bises. Especialmente en el milanés, donde desde tiempos de Toscanini sólo bisaba el coro... y eso muy excepcionalmente. El Liceu de Barcelona no ha sido una excepción. Tanto los que han seguido la transmisión a través de Catalunya Música el día 10 o la de ayer por Radio Clásica han tenido oportunidad de escuchar al público pedir el bis de Ah mes amis! con insistencia que roza la ferocidad, animado tal vez por la facilidad aparente con la que Flórez afronta la página en cuestión. Como ha dicho en una entrevista concedida a TV3 -y antes de alabar al público liceista por vivir la ópera con la pasión de los públicos de antaño- Ya oyeron que la hice en la función anterior y entonces ellos también quieren. La pequeña tradición que el peruano ha inaugurado se cumplió no sólo en esas dos ocasiones, sino también en otras que no se han retransmitido por radio.  Es curiosa la sensación de que lo que canta no le causa  demasiado esfuerzo. En todo caso siempre he preferido el aria del segundo acto, menos pirotécnica pero, a decir de todos los tenores, más difícil.  No he tenido ocasión de comprobarlo a nivel escénico, claro - siendo además una ópera que gana en comicidad si se ve, en vez de limitarse a la escucha radiofónica -, pero en la función de ayer Flórez dio la impresión de eclipsar por completo a sus compañeros, en especial a Marie, Patrizia Ciofi. Ella me pareció terriblemente apurada, más en unos momentos que en otros -lo que más me gustó fue Il faut partir, y aun así...-, pero muy incómoda a lo largo de toda la ópera. En el duo del Acto I con Tonio pareció esfumarse. Por supuesto esta es una ópera -y más en esta producción- que gana viéndose, y es probable que ahí compensara. He aquí lo que pesqué por Radio Clásica. El sonido no es, como os podéis figurar, el mejor de los posibles. Al menos no padecí de cortes en la retransmisión.

DONIZETTI: La hija del regimiento. P. Ciofi (Marie), J.

D. Flórez (Tonio), P. Spagnoli (Sulpice Pingot), V. Livengood (Marquesa de Berkenfield), A. Sanmartí (Hortensius), J. Ribot (Caporal), A. Vilardebó (Notario), A. Pavlovsky (La Duquesa de Crackentorp), Orq. Sinf. y Coro del Gran Teatro del Liceo. Dir.: Y. Abel. (3 hrs.)

Aquí y aquí.

Sin motivo aparente: Bernstein dirige Mahler

vídeos deTokkemon

A una nariz pegado

De pronto, se detuvo atónito a la entrada de una casa. Ante sus ojos se produjo un fenómeno inexplicable: un carruaje paró al pie de la puerta principal y, cuando se abrió la portezuela, saltó a tierra, ligeramente encorvado, un caballero de uniforme que subió con presteza la escalinata. Cuál no sería el sobresalto, y al mismo tiempo la estupefacción de Kovaliov al reconocer a su propia nariz. A la vista de semejante portento, le pareció que todo daba vueltas a su alrededor. Notó que apenas podía tenerse en pie y, sin embargo, decidió, aunque tiritando como si tuviera fiebre, aguardar a toda costa a que volviera a subir al coche. Efectivamente, a los dos minutos salió la nariz. Vestía uniforme bordado en oro, de cuello alto, y pantalón de gamuza y llevaba la espada al costado. El penacho del tricornio indicaba que poseía el rango de consejero de Estado. Según todas las apariencias, estaba haciendo visitas. Miró a un lado y a otro, llamó de un grito al cochero, subió al carruaje y partió.

Hay escritores que parecen despertar de una manera especial la imaginación de libretistas y compositores. Nicolai Gogol no llega a los niveles que alcanzó un Shakespeare -lógico por otra parte- en cuanto a inspirar la creación de nuevas óperas, pero por aquí ya se ha hablado de dos que surgieron teniendo como base relatos surgidos de su pluma: Taras Bulba, de Lysenko, y Cherevichki, de Tchaikovsky. Entre 1835 y 1836, Gogol escribiría un relato humorístico sobre un hombre que perdía su nariz... y sobre la desesperada búsqueda del apéndice en cuestión. O también sobre cómo dicha parte del cuerpo de Kovaliov - conocido también como Kovalov o Kovalev, según la transcripción - cobra vida propia y no quiere saber nada de su antiguo propietario, o más bien, hace como si no lo conociera de nada. La historia, en la que lo fantástico se mezcla con lo cotidiano, termina felizmente y Platon Kovaliov recupera su nariz. 

Casi un siglo después, en 1930, se estrenaba en San Petersburgo -entonces Leningrado- una ópera satírica de Shostakovich con el mismo título y argumento que el relato de Gogol. El propio compositor era uno de los autores del libreto. La Nariz había sido compuesta entre 1927 y 1928, y su estreno no supuso un gran éxito para el compositor. Los críticos negaron que la obra pudiese "atraer la atención de la clase trabajadora" y, para empeorar las cosas, Yevgeny Zamiatin, uno de los libretistas, era considerado un enemigo del régimen, en especial tras la publicación de su novela Nosotros - un antecedente de 1984-. Un año después del estreno de La Nariz, Zamiatin partiría hacia el exilio. Después de un reducido número de representaciones, La Nariz no volvió a pisar un escenario soviético hasta 1974. Al reestreno asistiría el compositor. 

Todo esto viene a cuento de las funciones de La Nariz en el Met, escenario que- como sucediera la pasada semana con Attila - la ópera en cuestión visita por primera vez. Las representaciones, dirigidas por Gergiev, parecen haber sido un éxito. Como suele pasar con las óperas que nunca he escuchado - hasta ahora me había limitado a Lady Macbeth del distrito de Mtsenk - despertó mi curiosidad. A veces es un afán de probar nuevas escuchas lo que me mueve.  Pel piacer di porle in lista. Luego hay conexión con la música o no. Así me he lanzado sin red satisfactoriamente con Katia Kabanova, Boulevard Solitude o Dialogues des Carmelites, por citar tres obras estrenadas en el siglo XX que escuché por las bravas  y sin ningún tipo de preparación... pero con las que conecté desde el primer momento. En especial con la última de ellas.  No hubo nada similar en esta ocasión, aunque la experiencia resultó interesante. Como verdiano-ecléctica -¿ecléctico-verdiana?- dudo sin embargo que el encuentro vaya a repetirse en muchas ocasiones a partir de ahora . En principio prefiero a la Lady. En todo caso, he aquí la grabación de La Nariz, procedente de la retransmisión de ayer.

SHOSTAKOVICH

La Nariz

Police Inspector: Andrei Popov (tenor)

The Nose: Gordon Gietz (tenor)

Kovalyov: Paulo Szot (baritone)

Ivan Yakovlevich: Vladimir Ognovenko (baritone)

Praskovya Osipovna: Claudia Waite (soprano)

Newspaper Clerk: James Courtney (bass)

A Mother: Maria Gavrilova (soprano)

A Countess: Wendy White (mezzo-soprano)

A Pretzel Vendor: Claudia Waite (soprano)

A Doctor: Gennady Bezzubenkov (bass)

Yaryzhkin: Adam Klein (tenor)

Mme Podtochina's daughter: Erin Morley (soprano)

Mme Podtochina: Barbara Dever ( mezzo-soprano)

Respectable lady: Kathryn Day (mezzo-soprano)

Valery Gergiev: conductor

Orchestra and Chorus of Metropolitan Opera.

Aquí la primera parte y aquí la segunda.

Dada mi escasa - gran eufemismo - experiencia con el título en cuestión, nada puedo adelantar sobre el desempeño de Gergiev y su reparto, así que me ahorraré dar mi parecer al respecto. El director ruso no es ni mucho menos de mis favoritos - siento por él cierta indiferencia - pero sería injusto dar una opinión al respecto, dadas las circunstancias.

Ópera en la radio

(Editando: evidentemente  y a pesar de lo anunciado en Operacast -ya me parecía a mí- el homenaje a Ormandy es cosa de El mundo de la fonografía, y no del programa El fantasma de la ópera. De todas maneras parece que la grabación mencionada no va a ser emitida).
Hoy empezamos a las 18:00, con RADIO CLASICA DE ESPAÑA , que, además de ofrecernos una grabación histórica de la Canción de la Tierra de Mahler - en homenaje a Eugene Ormandy, del que se cumple hoy el aniversario de su muerte- y de hacer un repaso al nuevo disco de Bryn Terfel dedicado a los villanos de la ópera - si descontamos la insólita aparición en el disco de... ¡Dulcamara!-, cierra su programa con Arianna in Creta, de Händel, en una grabación realizada en enero de 2010 en el Barbican Hall de Londres. A las 18:30, HR2 KULTUR emite, en directo desde Darmstadt, Der Rosenkavalier, de Richard Strauss. 

Shostakovich y La Nariz son los protagonistas de la retransmisión que hoy podremos escuchar desde el Metropolitan de Nueva York a partir de las 19:00 por la habitual multitud de radios. Andrei Popov, Gordon Gietz, Paulo Szot, Vladirmi Ognovenko y Claudia White, entre otros, estarán dirigidos por Valery Gergiev. La ópera se presentará  sin intermedios. A esa misma hora, por RADIO 4 NETHERLANDS ,podrá escucharse Il prigionero, de Dallapiccola, con Paoletta Marrocu, Lauri Vasar, Donald Kaasch, Marcel Beekman y Nanco de Vries en primer lugar y El castillo de Barbazul (con Gábor Bretz y Elena Zhidkova), de Bartok, como segunda parte del doble programa. Dirigirá Adam Fischer.

El Oro del Rhin, de Richard Wagner, es la elección de FRANCE MUSIQUE para esta tarde, a partir de las 19:30. Philippe Jordan dirige a la Orquesta de la Ópera de París, con un reparto en el que figuran Falk Struckmann, Samuel Youn, Marcel Reijans, Kim Begley, Peter Sidhom, Wolfgang Ablinger-Sperrhacke, Iain Paterson, Günther Groissböck, Sophie Koch, Ann Petersen, Qiu Lin Zhang, Caroline Stein, Daniela Sindram y Nicole Piccolomini. Por NRK KLASSISK  y NRK P2, también a las 19:30, El Mesías, de Händel. La dirección corre a cargo de Laurence Cummings y los solistas serán Katherine Manley, Nicholas Watts, Njal Sparbo y Tim Mead. En cuanto a RADIO OESTERREICH INTERNATIONAL, recicla Don Carlo, de Verdi. La más que conocida a estas alturas grabación del Covent Garden de Londres, con Kauffman, Keenslyde, Furlanetto y Poplavskaya.
Otras que reciclan son ESPACE 2  y KLARA, a partir de las 20:00. La primera opta por La Sonnambula, de Bellini, con Dessay, Camarena y Pertusi dirigidos por Pidò. La segunda por Offenbach y su Périchole, en una grabación procedente de Lausanne y realizada en 2009 y con Brigitte Hool en el papel titular. Una manera diferente de reciclar, la de RADIO TRE (RAI), que emite hoy un concierto dedicado a Wagner -preludio y segundo acto de Tristan und Isolde - que grabó en octubre de 2009 en Ferrara. El reparto está formado por Waltraud Meier, John Mac Master, Michelle Breedt, Franz-Josef Selig y Michael Wier. Les acompañan Daniel Harding y la Mahler Chamber Orchestra.

Kraus y la Canción Húngara de Alma de Dios

De la zarzuela de Serrano Alma de Dios (estrenada en diciembre de 1907) el fragmento más conocido es la Canción Húngara. La bendita página CLOR-Operadis nos señala cinco grabaciones de esta obra, todas ellas realizadas en los años cincuenta y sesenta, pero según ella, sólo una -la de Frückberg de Burgos - ha sido editada en disco compacto. Escuchemos la célebre romanza en la versión de Alfredo Kraus. 

vídeo de operbathosa 

Canta, mendigo errante,
cantos de tu niñez,
ya que nunca tu patria
volverás a ver.
Ya que nunca tu patria
volverás a ver.


Hungría de mis amores,
patria querida,
llenan de luz tus canciones,
mi triste vida.
Vida de inquieto
y eterno andar,
que alegro solo
con mi cantar.

Canta vagabundo,
tus miserias por el mundo,
que tu canción quizá
el viento llevará
hasta la aldea
donde tu amor está.
Canta vagabundo, etc.

Es caminar siempre errante
mi triste sino,
sin encontrar un descanso
en mi camino.
Ave perdida,
nunca he de hallar
un nido amante
donde cantar.

Canta vagabundo, etc.

Attila desde el Met

Esta entrada debía ser mucho más larga. Lo era, en origen. No obstante, por más que lo intento, no puedo racionalizar demasiado sobre lo que viví ayer a través de la radio. Así que escogeremos el camino más directo. Diré que es una de las mejores experiencias que haya sentido a través de las ondas; una representación que, pequeños defectos aparte, me tuvo presa de una suerte de trance desde las primeras notas del preludio hasta que se cerró el telón. Gracias a Verdi, gracias a Muti. Gracias a una orquesta del Met que era ayer puro fuego, tan alejada del monótono, mortecino acompañamiento de otras ocasiones. Gracias a unos cantantes que, con todos los posibles defectos a cuestas  en estos tiempos tan difíciles para el canto verdiano, eran llevados en volandas por su director y apechugaron bastante bien con sus papeles. Destacando especialmente el protagonista, Abdrazakov - aunque espero que con el tiempo desarrolle una mayor "individualidad" - y la indispuesta Urmana, que aun así salió airosa de su desafío, interpretar a la temible Odabella -y ella era la que más dudas me inspiraba-. Me llamaron la atención las variaciones que introdujo Vargas -¿cosa de la nueva edición crítica, o concesión de Muti?- en su cabaletta Cara patria. En todo caso y con todos los defectos que le queramos buscar, una gran tarde verdiana en directo como las que hacía mucho, mucho tiempo que no disfrutaba. Una muestra más de que la ópera está viva, y que no hay por qué limitarse a sollozar amargamente sobre los discos de pizarra por unos tiempos que no hemos conocido y que nunca volverán.

ATTILA 

Verdi-Solera

Attila..................Ildar Abdrazakov

Odabella................Violeta Urmana

Foresto.................Ramón Vargas

Ezio....................Giovanni Meoni 

Leone...................Samuel Ramey

Uldino..................Russell Thomas

Conductor...............Riccardo Muti

Parte 1, parte 2, parte 3

Ópera en la radio

Mañana a las 19:00 podremos escuchar en directo desde el Met, por las numerosas emisoras habituales, Attila, de Giuseppe Verdi, con Ildar Abdrazakov, Violeta Urmana, Giovanni Meoni -que se ha hecho cargo de las funciones que canceló Carlos Álvarez- y Ramón Vargas, todos ellos bajo la dirección de Riccardo Muti. Es la única de las representaciones que será retransmitida; el estreno de la producción fue el pasado día 23, y aunque la alta opinión sobre los aspectos musicales es prácticamente unánime, la puesta en escena ha conocido el rechazo general y fue abucheada ya en la primera función. Teniendo en cuenta la acogida hostil a una Tosca de Bondy que no era ni rompedora ni escandalosa, sino sólo feucha, no sé exactamente qué pensar. De todas maneras, es algo de lo que los mortales sin entrada para el Met no tenemos que preocuparnos. A la retransmisión se unen otras emisoras como RADIO TRE (RAI), aunque es poco aconsejable seguirla por ahí. Y a la misma hora a la que se puede escuchar  esta joya del Verdi joven, en DEUTSCHLANDRADIO KULTUR se ofrecerá su última ópera, Falstaff, desde Wiesbaden, con Kiril Manolov, Thomas de Vries, Philippe Rojas Velozo, Christopher Busietta, Erik Biegel, Bernd Hofmann, Sharon Kempton, Emma Pearson, Diane Pilcher y Ute Döring, bajo dirección de Marc Piollet. DR P2 es  una de las emisoras que anuncian la retransmisión de La Sonnambula, de Bellini, con Natalie Dessay, Javier Camarena y Michele Pertusi, dirigidos por Evelino Pidò. También lo hacen, aunque a partir de las 19:30, las  emisoras "gemelas" NRK KLASSISK  y NRK P2. La cantante francesa ha sido noticia en los últimos días por su cancelación de las funciones de Hamlet en el Met, una ópera que podremos escuchar, por cierto, el día 27 de este mes. Nuevamente a las 19:00, DWOJKA POLSKIE RADIO y RADIO 4 NETHERLANDS  ofrecerán Medea, de Reimann. En el reparto, Marlis Petersen -curiosamente la cantante que sustituirá a Dessay en el antes mencionado Hamlet- Michaela Selinger, Elisabeth Kulman, Adrian Eröd y Michael Roider. Dirige Michael Boder. En cuanto a RADIO CLASICA DE ESPAÑA , nos ofrece una rareza, Der Jakobiner, de Dvorak, grabada en vivo en el año 2003.

Urmana y Abdrazakov en Attila

A las 19:30, Béatrice et Bénedict, de Berlioz, por FRANCE MUSIQUE, con Christine Rice, Allan Clayton, Ailish Tynan, Élodie Méchain, Edwin Crossley-Mercer, Jérôme Varnier, Michel Trempont y Bob Goodie, con el Choeur les Élements y la Chambre Philharmonique dirigidos por Emmanuel Krivine. Hay varias repeticiones para mañana, y una de ellas es la Manon de Massenet protagonizada por Damrau y Vargas, por LATVIA RADIO KLASIKA . Y mientras RADIO OESTERREICH INTERNATIONAL tira de un archivo con más solera aún y nos propone Vanessa, de Barber, en la histórica versión del Metropolitan con Steber como protagonista y Mitropoulos en el foso, afsadfs nos ofrece unos Diálogos de Carmelitas desde Malmö, con un reparto que me resulta poco familiar y que está encabezado por Natalie Hernborg como Blanche de la Force.
A las 20:00, CESKY ROZHLAS 3 - VLTAVA  emitirá Debora, de Foerster. La grabación -al parecer la única existente- es de 1959 y según parece está editada comercialmente por la propia radio checa. Una rareza de la que no he encontrado demasiada información al respecto. Por KLARA, una vez más, tenemos oportunidad de escuchar Tristan und Isolde de Wagner con la dirección de Rattle, y con un reparto en el que nos encontramos a Violeta Urmana, Robert Dean Smith, Bo Skovhus y Franz-Josef Selig.

Comparaciones: Che farò senza Euridice?

El mito de Orfeo, con sus connotaciones musicales, tenía que ser, por fuerza, una constante a lo largo de la Historia de la ópera, que podemos decir, prácticamente nace con él, Monteverdi mediante. Desde el "padre" del género hasta ese gamberro de Offenbach y su particular visión del inventor de la música -sobre todo de su relación con Euridice- ha habido de todo. Una de las obras más célebres que tratan el mito es Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald von Gluck, obra con libreto de Calzabigi estrenada en 1762, que, como todo el mundo sabe, puso en marcha la famosa "reforma". Después de su estreno sufriría varias revisiones, como la que originó la versión de París, y verdaderos refundidos como el de la versión Berlioz. Todo ello ha originado Orfeos de vocalidades muy dispares: castrati, tenores, barítonos, contraltos, mezzos... De esta última cuerda son las cantantes elegidas para la presente comparativa, en el aria más conocida y explotada de la más conocida y explotada de las óperas de Gluck. Además de ser intérpretes históricas, sus grabaciones tienen todas ellas unas cuantas décadas, y están bastante lejos de lo que es el criterio actual en lo que a Gluck se refiere. Aunque, personalmente, tengo una irrefrenable, irredenta querencia hacia los Glucks prehistoricistas.

 

Che farò senza Euridice? Dove andrò senza il mio ben? Che farò? Dove andrò? Che farò senza il mio ben? Dove andrò senza il mio ben? Euridice!... Euridice! Oh Dio! Rispondi! Rispondi! lo son pure il tuo fedele. Che farò ecc. Euridice... Euridice! Ah! non m'avanza Più soccorso, più speranza, Né dal mondo, né dal ciel! Che farò senza Euridice? ecc.

¿Qué puedo hacer sin Eurídice? ¿A dónde ir sin mi amor? ¿Qué puedo hacer? ¿A dónde ir? ¿Qué puedo hacer sin mi amor? ¿A dónde ir sin mi amor? ¡Eurídice! ¡Eurídice! ¡Oh dios! ¡Contéstame! ¡Contéstame! Pues yo soy tu fiel esposo. ¿Qué puedo hacer, etc. ¡Eurídice! ¡Eurídice! ¡Ah! ¡No recibo ya socorro ni esperanza de la tierra ni del cielo! . ¿Qué puedo hacer sin Eurídice? etc.

Comparaciones: Kuda, kuda. La solución.

La comparativa del pasado mes se ocupaba de Kuda, kuda, el aria de Lensky de Eugene Onegin, de Tchaikovsky. Como siempre, lo primero dar las gracias a los votantes, y, lo segundo, descubrir qué tenores  -todos ellos de fecha bastante reciente, aunque en un caso esa actualidad es relativa- estaban detrás de las cuatro versiones propuestas (1). Empecemos con el Tenor 2, que es el que menos votos ha recibido.

No era otro que Rolando Villazón, que -en una grabación de 2007, procedente de un recital parisino- se llevó el voto de la honrrilla. Como todos los participantes de la cata, Villazón no se ha limitado a interpretaciones del aria -golosa para cualquier tenor- en recitales o a grabarla, ya que ha interpretado al desdichado poeta en escena. Lo ha cantado en el Covent Garden de Londres - temo que jamás me acostumbraré a llamarlo ROH y que siempre seguiré llamándolo tal y como me lo aprendí - y en Berlín, por ejemplo. 

El Tenor 1 - que se llevó tres votos- era Neil Shicoff, uno de los protagonistas de una de las grabaciones de estudio más conocidas del Onegin, la dirigida por Levine, en la que también figuraban Thomas Allen y Mirella Freni. Shicoff repetiría la jugada con Bychov, esta vez haciendo compañía a Hvorovstovsky y Nuccia Focile. Lensky es uno de los caballos de batalla del tenor norteamericano, que además de grabarlo dos veces lo ha cantado en teatros como el Met o la Scala -precisamente su debut en el teatro milanés tiene lugar en 1986 con Eugene Onegin.

Los tenores 3 y 4 han acaparado la mayor parte de los votos, aunque ha sido  3 quien finalmente se ha llevado el gato al agua. Tenor 4, que ha quedado con siete tantos a favor, era Ramón Vargas, en un recital del año pasado que tuvo lugar en Moscú, con Vladimir Fedoseyev a la batuta. Vargas también ha cantado Lensky en el Met -y además las representaciones, con Fleming, Hvorovstovsky, con dirección de Gergiev y  puesta en escena de Carsen, han sido editadas en DVD- y en Viena en tiempos recientes.

Tenor 3, el ganador, con nueve votos, era Piotr Beczala, en una grabación de 2009, en el Met. Una temporada en la que tuvo que hacer horas extraordinarias, al encargarse de parte de los Edgardos del indispuesto Villazón, simultaneándolos con las funciones de Onegin. Otros teatros en los que Beczala ha cantado Lensky han sido el Covent Garden de Londres o la Bastille de París; también con ese papel debutó en Estados Unidos, concretamente en San Francisco.

(1) Edición: por algún extraño motivo, los enlaces y los reproductores no parecen comportarse debidamente;  ¡siempre enlazan a la misma grabación! intentaré arreglarlo lo antes posible.

Volviendo a editar. Dado que es imposible, al parecer, que los reproductores "individuales" se comporten y dejen escuchar a más de un tenor -parece que ellos también votan por Beczala-, he aquí de nuevo las audiciones como lista de reproducción, de la menos a la más votada:

La Bohème desde el Met

El sábado se pudo escuchar a través de la radio  la matinée de La Bohème, ópera que, como remarcaba la presentadora, ha estado ausente del Met en sólo seis temporadas. De hecho, el año que viene volverá a su escenario. Es una ópera que gusta a todo el mundo -bueno, a casi todo el mundo- y llena el teatro, así que por un lado se comprende. Por otro lado, un poco más de originalidad no vendría mal. La representación del sábado fue más que correcta, con una notable Netrebko como principal aliciente, al menos en lo que a mí respecta. Ahora que tengo sobre ella una opinión cada vez más favorable, me gustaría que cantase más este repertorio y evitase a Bellini y  Donizetti.  Beczala pasó algún apuro y no estuvo  a la altura de su compañera. Tampoco en la parte expresiva, en la que no parecía muy involucrado. Lo estaba algo más Finley, el intérprete de Marcello.  En cuanto a Musetta, ese personaje tan robaplanos, estuvo interpretada por Nicole Cabell, de manera bastante irrelevante. El distanciamiento de Beczala contribuyó a que la función me dejara un poco fría, bien es  verdad que por culpa de los dos descansos se alargó bastante. Dos intermedios me parecen excesivos en una ópera que no tiene longitudes wagnerianas. En cuanto a Armiliato, se le notó una mayor afinidad con Puccini que con Donizetti, pero no aportó nada especial y contribuyó a mi sensación de rutina.

LA BOHÈME
Puccini-Illica/Giacosa

Mimì....................Anna Netrebko
Rodolfo.................Piotr Beczala
Musetta.................Nicole Cabell
Marcello................Gerald Finley
Schaunard...............Massimo Cavalletti
Colline.................Oren Gradus
Benoit..................Paul Plishka
Alcindoro...............Paul Plishka
Parpignol...............Daniel Clark Smith
Sergeant................Joseph Hendrix
Officer.................Joseph Turi

Conductor...............Marco Armiliato

Aquí.